Cinco figurinos nota dez

Entenda do ‘corte-e-costura’ de cada um dos concorrentes à estatueta da categoria

Fausto Viana e Rosane Muniz

A importância do figurino na construção de um personagem é inquestionável, sua colaboração para torná-lo crível, também. Mas engana-se quem pensa que a melhor indumentária é aquela que se destaca e, muitas vezes, torna-se tudo o que pode ser lembrado no filme. Neste caso, geralmente algo de ruim aconteceu no total da produção. A concorrente ao Oscar de melhor figurino 2010, Sandy Powell, figurinista de Jovem Vitória, lembra que um dos desejos dos bons profissionais é “fazer com que o figurino visualmente funcione com o resto do filme”. Os trajes, naturalmente, não suprem a interpretação, mas ao dar suporte aos atores, colaboram – e muito – com a história a ser contada.

 Um item que une todos os indicados ao Oscar é a intimidade aparente em cena dos personagens com a criação de seus trajes. Em Chanel, a costura é praticamente a protagonista, enquanto em Brilho de Uma Paixão é o suporte da personagem principal. Em Nine, é a confidente e homenageada figurinista, já em Dr. Parnassus revela-se no interior do camarim de um teatro itinerante e nas diversas adaptações dos figurinos. No filme A Jovem Rainha poderia estar mais presente se houvesse uma cena de Vitória escrevendo em seu diário sobre as vestes usadas na coroação, ou ainda desenhando seu vestido de casamento ou os trajes das damas de honra, como de fato o fez na vida real. Mas está lá, no vestir e despir diários e no trabalho das camareiras.

 Ao conferir os concorrentes no quesito figurino, também é possível observar um bom panorama do vestuário ao longo do tempo. A sugestão é começar com Brilho de uma Paixão, que se passa no início do século 19, mais especificamente entre 1818 e 1821, quando o poeta John Keats morre.

O brilho de uma paixão

 A importância da moda neste filme inglês já fica estabelecida desde os primeiros takes, com uma agulha entrando e saindo do tecido, o que remete às tramas do destino e às três irmãs que tecem, esticam e cortam o fio da vida. Pois é a morte, diretamente relacionada ao personagem principal. O grande amor deve morrer, mas como ficam idealizadas as roupas que darão vida às histórias contadas sobre eles no cinema?

 A personagem Frances Brawne, a quem Keats dedica seu poema Bright Star, é a fashionista do filme. Sabe-se que, em uma carta ao irmão, o poeta descreveu Fanny como “bonita, elegante, graciosa, estranha (…)”. No filme, ela cria seus próprios trajes, elaborando detalhes de golas e bordados e tem um quê de Coco Chanel, a quem antecede em quase um século. Inclusive, ela desafia os homens quando diz que o que faz é belo e lhe traz dinheiro, ao contrário do que a poesia lhes oferece. O que pode ser uma forma dos ingleses, subliminarmente, atiçarem a antiga rixa entre a moda inglesa e a francesa.

 O fato é que as roupas do personagem parecem deslocadas mesmo quando analisadas dentro de uma ótica histórica – são peças estranhas, muitas vezes estruturadas em moldes diferentes do comum à época. A figurinista Janet Patterson, indicada pela quarta vez ao Oscar (uma delas foi pelo filme O Piano, com direção da mesma Jane Campion), explica que usou como princípio criativo uma homenagem ao modo como jovens mulheres se comportam hoje. Fanny, na sua concepção, está experimentando peças que só poderá usar nesta fase de sua vida, com padrão próprio de estética e beleza. Até Keats a descreveu como “estranha”, mas o que muitas vezes parece é que seus trajes soam extremamente desengonçados – exceção ao vestido prateado de gola alta com que ela vai ao baile. Patterson revelou que Fanny teria se inspirado em um pavão para que o personagem se recriasse. Outra boa exceção é o vestido cor de rosa que, por ser de linho muito leve, parece se desmanchar quando ela e o amante são surpreendidos pela chuva.

 Na contramão, o jovem Keats usa roupas velhas, desgastadas e uma casaca azul, marca registrada do personagem. Ele bem dizia que seus poemas, hoje reconhecidos entre os melhores do romantismo inglês, não tinham valor nenhum. Sua roupa mostra como ele se vê. Há uma cena poética em que ele sobe em uma árvore toda florida e sua figura desgastada ganha uma dimensão espiritual.

A Jovem Vitória

 A inglesa Sandy Powell concorre e tem grande chance de sair vencedora também no Oscar, afinal já venceu o Prêmio da Associação de Figurinistas (CDG) na categoria de figurinos de época. Esta é sua oitava indicação, sendo que já possui duas estatuetas, entre elas está a linda criação de Shakespeare Apaixonado (1999).

 Neste trabalho, Powell deve agradar tanto aos interessados em reconstruções históricas (o filme se passa basicamente entre 1836 e 1861), como aos que adoram materiais inovadores para a composição dos figurinos. Seu maior desafio foi fazer uma quantidade enorme de trajes com um montante limitado e, mesmo assim, fazê-los parecerem suntuosos e da realeza. “Eram coisas demais para criar, pouco tempo e muito pouca verba”, declarou. Como não tinham diamantes para aplicar nas roupas, nem bordados para cobrir enormes superfícies de tecidos caros, a solução foi pintar tudo a mão, em um verdadeiro revival do trompe l’oeil que foge aos olhos do espectador comum. Não é, portanto, uma criação como as dos filmes de Lucchino Visconti, que exigia perfeição e reconstrução dos trajes nos mínimos detalhes.

 O manto de coroação, por exemplo, foi feito começando completamente do zero, iniciando pelo tecido. Foi o traje que levou mais tempo para ser finalizado. Comprou-se um tecido que tinha uma linha metálica dentro e que foi desgastado até alcançar o exato tom dourado, depois o complexo bordado do manto original foi recriado por estampagem e pintura a mão.

 Powell visitou o acervo real no Palácio de Kensington e teve a chance de ver alguns vestidos de uso diário, o manto da coroação e o vestido de casamento. Ficou impressionada com o tamanho minúsculo dos trajes de Vitória, que “pareciam roupas de criança”.

 Visualmente, a formação da futura Rainha é dividida em duas partes no filme: ainda muito jovem, antes de assumir o trono, quando é a mãe quem a dirige e impõe roupas de aspecto infantil ao seu trajar. E o momento de destaque, quando ela toma as rédeas do próprio destino e passa a se vestir de maneira elegante e sofisticada, com trabalhos de costura mais elaborados. Albert também tem seu momento de glória visual: quando consta no script que “entra tão bonito como o amanhecer”, Powell o veste sexy como os homens da época, como se estivesse cavalgando, com calças justas, botas de cano alto e um belo paletó. O resultado é impactante.

Coco antes de Chanel

 No mundo colorido dos trajes, quem se destaca entre os candidatos é Chanel – a personagem, não o filme – exatamente por optar pelo sóbrio e se destacar pela simplicidade das formas e conforto. É o início do século 20 e o percurso da pré-Chanel (enquanto marca mundial) apresenta uma bem pensada aventura de moda. Não é do mito Chanel que o roteiro trata, e sim da formação desse mito.

 Desde o começo do filme, ainda no colégio interno, o figurino é determinante para marcar o contraste entre a pobreza das órfãs como Chanel, com os trajes ricos e vermelhos das meninas que recebiam visitas dos pais. Mais tarde, na juventude, ela é obrigada a vestir roupas que apertam e impedem o movimento e aí começa seu incômodo. Durante o dia, trabalha e sobrevive como costureira, mas é na função extra de cantora de cabaré noturno que conhece o futuro amante, ao entoar a cançoneta que vai lhe dar o nome da fama: Quem viu Coco? O cachorrinho que não aparece, mas deixa o nome e a melodia grudados em nossa memória.

 Muito interessante é a cena em que ela vai à praia e vê os pescadores com suas blusas íntimas listradas, absolutamente confortáveis, e não hesita em criar para si roupas semelhantes na estampa. Seria uma revolução na moda! E os cortes masculinos que ela vai construindo aos poucos, a partir do armário do amante, são sensacionais. Cada peça masculina vira uma nova experiência na mão da hábil costureira Chanel, como na festa à fantasia em que ela aparece de “menino” ou quando sai à rua atrás de Boy vestindo um pijama de seda bege. Cada riscar de tecido com o giz torna-se uma poesia.

 Assim como na peça de teatro, o filme mostra a conhecida escada de espelhos do ateliê de Chanel, com modelos vestidas por suas famosas criações descendo os degraus, enquanto, sentada, uma melancólica e bem sucedida estilista ganha destaque em preto e branco.

Nine

 Lembra que falamos de quando se deseja que o figurino visualmente funcione com o resto do filme? Por acaso é o que acontece com o figurino de Nine: funciona perfeitamente com a direção do também coreógrafo Rob Marshall – que se inspirou em Fellini ampliando a característica musical do roteiro de 8 ½ – porém se destaca demais pelo deslumbre, como de praxe na linguagem de show biz que ele deu à película.

 8 ½ é um marco na história do cinema contemporâneo – um dos filmes que mais tentaram copiar. Nine sobe meio ponto no título para, com uma grande coleção de estrelas, tentar impressionar. Todos são brilhantes, individualmente – coletivamente não funcionam. Os trajes são bonitos, bem-feitos, adequados a cada uma das belezas que adornam o filme. Mas são espetaculosos e se restringem aos números musicais que estão intercalados na ação.

 A “jornalista” Kate Hudson aparece em um número que mais parece um clip da MTV, vestida com cristais Swarowski, em um traje de cinco quilos, muito parecido com o usado por sua mãe Goldie Hawn no início de carreira. Ela descreve o filme em duas palavras: “um show!” A estonteante Penelope Cruz vestiu corseletes feitos à mão com rendas antigas e um conjunto feito com tecidos vintage e uma estola de peles feita por Dennis Basso. Nicole Kidman, que deveria ser a musa inspiradora do cineasta, surge com um vestido de tafetá de seda com casaco de peles, também de Basso. Para viver a prostituta Saraghina, corseletes apertados e uma bota que a cantora do Black Eyed Peas relatou desta forma: “Um cara mediu cada polegada da minha bunda e fez botas especiais para eu dançar. Na verdade, me fez repensar nos sapatos que uso quando estou em turnê”. Marion Cotillard dá um show de atuação e seu figurino no musical Take it All (concorrente ao Oscar de trilha sonora) revela sua transformação. Ela ajudou a criar os trajes da esposa do cineasta, uma mistura de peças vintage e customizadas, que deram a ela uma elegância típica do anos 1950 e 60. A homenagem ao papel da figurinista, representada por Judy Dench, é um grande presente à classe.

 Colleen Atwood já fez inúmeros filmes, peças e, com o diretor de Nine, Rob Marshall (que, inclusive, acaba de ganhar um prêmio especial da Associação de Figurinistas como colaborador), ganhou dois Oscars: Chicago (2003) e Memórias de uma Gueixa (2006). Seu esplendoroso trabalho em Sweeney Todd concorreu ao Oscar em 2008, mas perdeu para Elizabeth – a era de ouro.

 Como Nine é o favorito para o prêmio segundo os analistas da moda, a figurinista tem chance de vencer, mas sua terceira estatueta pode vir só no Oscar 2011 com o filme Alice no País das Maravilhas, que já chama a atenção para os quesitos direção de arte e figurino. No Moma de Nova Iorque, a exposição com o trabalho de Tim Burton vai até 26 de abril (http://www.moma.org/interactives/exhibitions/2009/timburton/). Já a mostra com o acervo de 40 objetos do filme – que é dividida em quatro alas e conta até com animadores caracterizados – viaja por vários países promovendo o filme.  

O Imaginarium do Dr. Parnassus

 Quem nunca havia sido indicada ao Oscar e desta vez conseguiu entrar na lista foi Monique Prudhomme, com o filme que também concorre na direção de arte. 

 A figurinista disse que os trajes mais desafiadores foram os usados pelos atores quando estão representando no palco, inspirado em teatros barrocos dos séculos 16 e 18, assim como os figurinos. Suas outras criações estão divididas entre o mundo real (de uma Londres contemporânea, mas ao mesmo tempo de um período indeterminado) e o imaginário (da alucinação).

 O conceito de partida foi dado pelo diretor: Dr. Parnassus é imortal. Desta forma, ela criou os trajes como se eles fossem sendo retirados de caixas antigas, de coisas que ele foi acumulando ao longo de séculos, dos diversos países pelos quais viajou. Mas como ele é muito pobre, está sempre fora da moda, na Londres atual. Assim, Prudhomme misturou países e estilos, mas acima de tudo, muitos materiais, tecidos e texturas riquíssimas em detalhes, brocados, muitas camadas… e processo de desgaste e envelhecimento. O Dr. Parnassus, por exemplo, tem quimonos japoneses, detalhes de peças indianas, calças chinesas, refletindo uma riqueza folclórica cultural que os trajes do ocidente, segundo ela, não têm.

 Trabalhando com o que ela chama de “composição”, o processo da figurinista foi parecido com o do teatro, juntando diversas peças antigas e novas, executando trajes apenas quando necessário. As roupas usadas pelo personagem Tony foram todas desenhadas para ele e feitas por Verne Troyer, inclusive o terno branco. O vestido do “imaginário” branco de ninfa dançarina, usado por Lily do outro lado do espelho, também foi criado para ela.

Enviado por Rosane Muniz

Muitas foram as suposições antes que saisse o anúncio de hoje com os verdadeiros concorrentes.

 Quem apostou em Anna Sheppard, errou! Ela já concorreu  por A Lista de Schindler – 1994 e O Pianista – 2003 e agora poderia ter entrado na lista com Bastardos Inglórios. Estava na lista do prêmio dos críticos,  mas perdeu para Sandy Powell.

A inglesa Powell concorre – e tem grande chance de sair vencedora também no Oscar - com a reconstrução de época do filme Young Victoria. Confira alguns trajes no site oficial. Além de já ter concorrido oito vezes ao prêmio, saiu vencedora por Shakespeare in Love – 1999 e por O Aviador – 2005.

Outra concorrente ao Oscar de melhor figurino é Catherine Leterrier por Coco Antes de Chanel, que também está na lista de concorrentes do prêmio inglês BAFTA, do prêmio da Associação de Figurinistas e do César, na França. Leterrier já trabalhou em muitas reconstruções de época e ganhou dois Césares. Com mais de 35 anos de carreira, não se importou de ter o diretor criativo Karl Lagerfeld supervisionando suas criações.

Acertou quem falou em Collen Atwood pelo musical Nine. Seu esplendoroso trabalho em Sweeney Todd concorreu ao Oscar em 2008. Era o meu voto no Oscar, mas quem ganhou foi Alexandra Byrne, com Elizabeth – a era de ouro. Em 2006, Atwood ganhou por Memórias de uma Gueixa.

É a quarta nomeação de Janet Patterson ao Oscar (Oscar e Lucinda – 1998, Retrato de uma jovem – 1997 e O Piano – 1994), desta vez com Bright Star, da mesma diretora de O Piano, Janet Campion. O filme se passa no início do século 19 e filmes de época têm grande chance. Então…

Também se esperava ver Consolata Boyle pelos belos chapéus e trajes de Michelle Pfeiffer em seu lindo retorno de Chéri, dirigida por Stephen Frears. Mas quem nunca havia sido indicada ao Oscar e desta vez conseguiu entrar na lista foi Monique Prudhomme, por O Imaginário de Dr. Parnassus, filme que também concorre no quesito direção de arte. Prudhomme também está na lista do prêmio da Associação dos Figurinistas, no qual havia concorrido pelo trabalho de Juno, em 2008. Com Dr. Parnassus já derrotou Chèri, Nine, A jovem Victoria e Chi Bi no prêmio da imprensa (Sattelitte) distribuído em dezembro/2009. É ver pra escolher.

Não percam em breve a análise que farei com Fausto Viana sobre os indicados ao Oscar de melhor figurino para o Caderno 2, no jornal O Estado de S.Paulo.

E agora? Vamos ao cinema!!!

No Caderno 2 do jornal O Estado de S. Paulo de hoje:

Terça-Feira, 21 de Outubro de 2008 | Versão Impressa no site

Fogo destrói parte da sede da Quadrienal de Praga

Incêndio põe abaixo asa esquerda do Industrial Palace, um dos mais importantes prédios art nouveau da República Checa, onde se realiza o evento de cenografia

Rosane Muniz (Especial para O Estado)

Um incêndio de 90 minutos, ocorrido na quinta-feira, colocou abaixo a asa esquerda do Industrial Palace, um dos mais importantes prédios art nouveau da República Checa, criado pelos arquitetos Bedrich Muenzberger e Frantisek Prasil e finalizado em 1891. Os danos foram sérios, considerando a construção de vidro e aço. Estima-se o prejuízo em 1 bilhão de crowns (cerca de US$ 54 milhões).

O espaçoso prédio recebe tradicionalmente vários eventos culturais e exposições, entre elas, a tradicional Quadrienal de Praga (PQ), organizada pelo Ministério da Cultura Checo e realizada pelo Arts Institute (Instituto de Teatro de Praga), com o apoio da Organização Internacional de Cenógrafos, Técnicos e Arquitetos Teatrais (Oistat). O time organizador da PQ realiza hoje reunião para estudo de outros locais para abrigar o evento e não prejudicar a versão 2011.

No aniversário de 40 anos da Quadrienal, em 2007, uma equipe brasileira esteve presente e ganhou o direito de fundar um centro Oistat no Brasil. Vários eventos vêm sendo organizados, como o Seminário sobre Iluminação Cênica, realizado no CCSP no último fim de semana, com palestras dos mestres italianos Alberto Roccheggiani e Maurizio Gianandrea, Presidente da Accademia della Luce.

Começa hoje, no Teatro Novelas Curitibanas, na capital paranaense, a 3ª Semana de Tecnologia Cênica do Novelas – ABrIC/OistatBr. Palestras, oficinas, mesas-redondas e o lançamento da exposição sobre o World Stage Design, mostra internacional competitiva que acontecerá na Coréia em 2009, continuarão até o próximo sábado.

Para maiores informações sobre o WSD e como se inscrever, visite www.abric.org.br  ou escreva para oistatbrasil@gmail.com

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O Que É Oistat?

Fundada por oito países em Praga, na então Checoslováquia, em 1968, a Organização Internacional de Cenógrafos, Técnicos e Arquitetos Teatrais funciona como uma cooperativa não-governamental organizada e reconhecida pela Unesco. Baseada em Praga de 1968 a 1993, o Secretariado Geral foi transferido para Amsterdã, onde permaneceu até 2005, quando o Conselho para Assuntos Culturais de Taiwan assumiu o subsídio, levando o Secretariado da Oistat para Taipei, onde ficará por no mínimo dez anos. No início, a intenção era promover o intercâmbio entre os artistas do Leste e Oeste Europeu, mas hoje o principal objetivo é promover oportunidades de cooperação entre as organizações teatrais de todos os países ao redor do mundo.Atualmente, a Oistat é composta por 34 países membros (já com a inclusão do Brasil), além de membros individuais e associados de diferentes países.
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A Quadrienal

Tudo começou na Bienal de São Paulo, em 1959, quando o checo Franti?ek Tröster ganhou a medalha de ouro pela sua exibição que ilustrava o desenvolvimento da cenografia e arquitetura teatral checa e eslovaca durante o período de 1914-1959. O destaque da cenografia realizada no país continuou em outras Bienais, até que houve o convite para que a cidade se tornasse sede do encontro quadrienal a partir de 1967.

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A evolução do figurino na trajetória desses dois ídolos
Os botões da blusa…. As roupas e os sonhos rasgados…

por Fausto Viana e Rosane Muniz 

Nem “odara” e nem “uma brasa, mora?” O encontro é a chance para lançar um olhar na trajetória da dupla pelo viés da moda. A MPB abre o assunto tanto no vestuário de seus intérpretes, como nas letras das músicas.

Aos 9 anos, Roberto é levado por lady Laura para cantar na rádio, com roupas feitas por ela. Em trajes simples surge Caetano Veloso, ainda na Bahia. Vindos do interior e influenciados pela bossa-nova, chegam ao Rio de Janeiro em 1956, mas seguem caminhos diferentes: o baiano em uma atmosfera despojada de cantar e vestir, mesmo que ache Maria Joana metida a bacana porque “saiu de casa toda colorida”. O capixaba não demora a fazer sucesso como o rei do iê-iê-iê, inspirado nos Beatles, mandando tudo “para o inferno”.

O terninho masculino, tailler feminino e tons pastéis deixam de ser o vestuário exemplar dos anos 60. Com o movimento estudantil estimulando a “guerra” contra os “coroas”, Roberto, de paletó axadrezado com camisa rosa e gravata branca, lança com a Jovem Guarda a marca Calhambeque e espalha pelo público jovem do seu programa de televisão modelos de camisas, cintos, sapatos, chapéus e chaveiros. Ganha, então, o medalhão que até hoje não tira do pescoço. Apesar das críticas iniciais, Caetano se influencia pelo “roqueiro” e convida os Beat Boys para surgir “sem lenço nem documento” e se tornar um pop star. Foi o que os uniu no visual hiponga ousado e elegante que adotariam: cabelos longos, calças mais folgadas, cores berrantes.

O movimento tropicalista “impõe uma imagem obviamente brasileira”. Depois do exílio, Caetano assume uma nova personalidade no estilo de se vestir. Em 1971, o apelo visual vem do movimento hippie inglês.

Sem medo, Araçá Azul flerta com a roupa leve, sensual, pronta para uma brisa, que, aliás, já o pegava desde os anos 60 “com nada no bolso ou nas mãos”.

Maquiagem, brinco de pavão…

Roberto abre blusas (”os botões da blusa, que você usava”), em uma sensualidade menos explícita.

Passam os Doces Bárbaros. No fim dos anos 70, Roberto opta pelo cabelo comprido, que não incomoda mais, e Caetano corta o seu e ousa na mudança da sensualidade brejeira de Caymmi para uma sexualidade “livre, libertadora”, rompendo paradigmas do regime militar. Roberto opta pelo lenço branco no pescoço e cravo vermelho na lapela, na sexualidade “dos amantes”.

Entre brigas e reaproximações, após terem “as roupas e os sonhos rasgados”, Caetano se torna hype nos anos 80 e 90 (hoje é básico, mas moderno), Roberto ícone do pop star romântico (fiel às correntes, pulseiras e ao cinto com fivelão). O reencontro se dá em uma grande produção, porém sem figurinista. Apesar do uso diário do jeans, ambos sobem ao palco em ternos, que alguns classificam como a armadura dos tempos modernos. No entanto, o minimalismo do show transforma os trajes em molduras para a arte de dois dos mais significativos compositores/intérpretes brasileiros, para os quais o “tempo não pára, e no entanto, ele nunca envelhece”.

A premiação do Oscar 2008 já passou e percebo que por este blog passam mais aficionados por teatro do que cinema. Mesmo assim, a matéria escrita por Fausto Viana e Rosane Muniz (sim… sou eu mesma…)  sobre os concorrentes à categoria figurino é interessante de ficar aqui arquivada pelo paralelo que sempre traçamos com a história do cinema, mesmo nas criações teatrais. Por exemplo, a pesquisa realizada por Alexandra Byrne para a criação da indumentária do filme Elizabeth-a era de ouro, vencedor do prêmio na categoria, é uma aula na recriação de trajes da época. Para ler, é só clicar na imagem até ampliá-la.

É o caso de quarta-feira (08/08/07), com a matéria  A sonoridade da cena paulistana, de Beth Néspoli, com quatro iluminadores (Tunica, Laércio Resende, Aline Meyer e Eduardo Agni) que puderam contar um pouco do que fazem e refletir sobre as funções e objetivos da luz em cena. Pena que as entrevistas foram individuais e não em um encontro presencial com todos os entrevistados numa “mesa-redonda” ou debate. Quem sabe o próximo assunto em destaque seja a cenografia, a indumentária ou a sonoplastia.

Sugiro que este espaço vá além na reflexão sobre os assuntos levantados na matéria.

Eu começo instigando sobre a percepção, a partir de um trecho no qual a Tunica fala sobre as diferenças entre os tipos de espectador:

“… Esse é o espectador emocional, aquele que se deixa levar. Há também o espectador intelectual, que está lendo tudo o que está acontecendo. É quase um crítico. E, às vezes, a gente consegue os dois resultados: colocamos uma música que vai provocar o estímulo emocional necessário para a cena e que tem uma história política e social que pode agregar mais uma mensagem à cena. Se o espectador souber da história vai incluí-la, senão, já vai estar se resolvendo com a percepção emocional.”

Este trecho me lembrou de Pierre Bordieu, em seu “Economia das Trocas Simbólicas”, quando diz que “esta ‘intenção’ constitui ela própria o produto das normas e das convenções sociais que concorrem para definir a fronteira sempre incerta e historicamente mutável entre os simples objetos técnicos e os objetos de arte.” Difícil perceber onde fica este limiar, não?